Цртање

Уље на платну: Даниел Гравес: Стјуард хуманистичке уметности

Уље на платну: Даниел Гравес: Стјуард хуманистичке уметности


We are searching data for your request:

Forums and discussions:
Manuals and reference books:
Data from registers:
Wait the end of the search in all databases.
Upon completion, a link will appear to access the found materials.

У њему су били присутни многи сјајни учитељи који су тренирали Даниела Гравеса Америцан Артист 1970-их, док су се он и његови студенти профилисали у новијим издањима. Док часопис слави 70. годишњицу, испитујемо академско ликовно образовање које је Гревес посветио очувању дела каријере.

М. Степхен Дохерти

Младожења
2005, уље, 48 к 32.
Љубазна галерија Греннинг,
Саг Харбор, Нев Иорк.

Многи од важних реалиста 20. века били су профилисани Америцан Артист, а ови играни чланци имали су снажан утицај на сликаре који су били гладни информација које би могле информисати и упутити њихове креативне напоре. Даниел Гравес имао је срећу да студира са неколико утицајних уметника, укључујући Јосепха Схеппарда, Френка Руссела, Рицхарда Серрина, Рицхарда Лацка, Пиетра Аннигонија и Нерину Сими; а профилисан је у причи из децембра 1988. године. Од тада, Гравес наставља да пролази кроз сјајну обуку коју је похађао новим генерацијама уметника, а у часопису су представљени бројни његови бивши студенти, од којих неки сада предају у Сједињеним Државама и Европи.

Пошто је Гравес једна од важних веза између прошлости и садашњости, верујемо да је примерено да га још једном посетимо током ове годишњице. Срећом, он је опширно писао о тренутном стању репрезентативних умјетности, властитој позадини и мисији која га наставља покретати као умјетника и учитеља. Следи уломак из есеја Гравес написао који помаже објаснити традицију коју држи и методологију коју користи да повеже нове генерације уметника са том традицијом.

Посветивши велики део свог живота, и као уметник и као наставник, репрезентативним уметностима, драго ми је што видим да, опет, све већи број људи проналази традиционалније слике које су им значене. Традиција коју наводим је традиција хуманистичког духа у западној уметности.

Изложба радова Гравес ће
бити на видику код Елеанор
Еттингер Галерија у Њујорку,
почев од 8. марта 2007.
За више информација о Гравес-у,
посетите његову веб локацију ввв.даниелгравес.цом.
Да прочитате његов цео текст
есеј или сазнати више о томе
Академија уметности у Фиренци,
посетите веб локацију школе на ввв.флоренцеацадемиофарт.цом.
За списак осталих уметничких школа
одржавање традиције коју Гравес описује,
посетите веб локацију Центра за обнову уметности.

Кад сам 1968. започео студије код Јосепха Схеппарда и Франка Русселл-а на колеџу за умјетност Мариланд Институте, Балтиморе, већина, ако не и све, вриједне традиције умјетничког образовања била је повезана са атељеима 19. вијека Европе. Информације које су студенти добијали преносе се од ренесансе, најпре преко појединих уметника који су узимали научнике, а потом и путем академија чија је функција била да образују уметнике и одржавају занатску традицију. Будући да је у Сједињеним Државама било мало таквих институција, већина америчких сликара путовала је у ове европске атеље како би научила принципе и технике критичне за њихова звања.

Неки Американци који покушавају да опонашају европске академије, као што су Р.Х. Ивес Гаммелл и Рицхард Лацк, отворили су своје академије. Гаммелл је тренирао Лацка у свом бостонском атељеу, а Лацк је потом отворио Тхе Ателиер Лацк (сада Тхе Ателиер) у Миннеаполису, који и даље делује под водством својих студената. Други ателиери, прошли и садашњи, са везама за Гаммела или једног од његових ученика, укључују оне које су режирали Аллан Банкс, Цхарлес Цецил, Јамес Цхилдс, Роберт Цормиер, Степхен Гјертсон, Гари Хоффман, Дон Коестнер, Роберт Доуглас Хунтер, Рицхард Вхитнеи, Андреа Смитх, Риан С. Бровн и Јулиетте Аристидес.

Моја властита жеља да будем повезана са традицијом у време када је више није било цела, када се сматрало да ће пасе то желети и када се њен језик заборавља, довела ме у Фиренцу 1978. године. Недостатак, одлучио сам да отворим уметничку школу са Цецилом 1982. године (која је наставила до 1990. као студио Цецил-Гравес), а затим сам 1991. основао Академију уметности у Фиренци, и даље служим као њен директор. Мој циљ је био спојити недостатак предавања са онима других уметника / учитеља који су на мене утицали. Тај образовни програм и традиција на којој се заснива су оно што је стотине студената довело на Академију уметности у Фиренци, од којих је неколико основало своје атељее.

Аутопортрет
2005, уље, 15 3/4 к 19 3/4.
Приватна колекција.

Рећи да сви радимо на овој академској традицији не значи да су и наша тематика и уметнички интереси исти. Како се надам да је видљиво из цртежа и слика које су створили уметници које сам управо поменуо и њихови ученици, свако од нас покушава да створи јединствено тело рада засновано на његовом или њеном уметничком путу. Међутим, сви говоримо истим визуелним језиком. Односно, сви смо научили, колико смо могли, језик традиције који користимо за изражавање својих виђења. Волим да верујем да је наша мисија спојити фрагменте хуманистичке традиције како бисмо допринели смисленим сликама које ће надахнути будуће генерације.

Моја рана потрага за традицијом
Мој уметнички пут, као што је објаснио Иве, започео сам на Уметничком факултету Мериленд Института и наставио са постдипломским студијама у Фиренци у Вили Сцхифаноиа, где сам упознао Ричарда Серрина, једног од великих утицаја на мој живот. Научио ме је како да читам слику, отворивши тако врата која су кључна за развој дубоког и непрекидног дијалога са прошлим мајсторима. Показао је дубоко техничко разумевање Рембрандта и слике 17. века, али што је такође важно, комуницирао је са светом сликарства и разговарао са мном о значају онога што је видео.

Екплорер
2003, уље, 35½ к 27½.
Сва уметничка дела ове колекције
уметник уколико није другачије назначено.

Касније сам отишао у Миннеаполис са Серрин да му помогнем у оквиру зидног пројекта и тамо сам упознао Рицхарда Лацка, са којим сам студирао скоро годину дана. Од недостатка сам научио многе академске традиције бостонске школе које му је пренео Гаммелл, као и начин цртања и сликања у виду вида који су користили многи сликари портрета у 19. веку, укључујући Џона Сингер Саргент. Потом сам се вратио у Фиренцу и студирао код Нерине Сими, односно Сигнорине Сими, како смо је звали. Ћерка Филаделфо Сими - фирентинска сликарица у стилу Маццхиаиоли, која је учила код Јеан-Леон-а Героме-а? Сигнорина Сими је одржавала ателиер својих очева од његове смрти 1923. до властите 1987. у 97. години. Вратила сам се у Фиренцу да студирам са њом јер је посао који је излазио из њеног атељеа имао снаге које сам желео да стекнем.

И Лацк и Сими су понудили везу са Героме-ом што ми је значило. Недостатак је наследио преко Гаммеллсове лозе, док је Сигнорина Сими припала свом раду у студију са оцем. Обоје су се враћали на Героме, имали су много сличности у учењу, али и прилично разлике.

Италија - са музејима, црквама и природним лепотама и као место на коме традиционално цветају уметности - одувек је била магнет за уметнике. Присуство Сигнорина Симија и Пиетра Аннигонија у Фиренци привукло је многе младе сликаре (укључујући мене) који су тражили излизане нити реалистичке традиције. Очајнички смо желели да се осећамо повезано са традицијом, а чинило се да нигде другде нису уметници који раде као раније - са пажњом да се раде занатом чак и на најосновнијем материјалном нивоу. У Фиренци се нико није звао уметником већ сликаром; и када је неко заслужио поштовање других, као што је то имао Аннигони, једном је доделио титулу маестро.? Ове ствари су нас осјетиле да је сликарство племенита професија, дубоко укорењена у занат, културу и заједницу. Неки од оних који су дошли задржали су се само неколико месеци; други, попут мене, остали су зато што их је Фиренца очарала својом лепотом и културом.

Ханс
2005, уље, 27½ к 23¾.

Иако нисам студирао са Аннигонијем, који је умро 1988. у 78. години живота, прилично добро сам га упознао. Био је, како су га неки звали, патријарх реализма. Постављајући стандард за цртање израде, дао нам је наду јер је могао цртати и сликати као што су то имали уметници у претходним вековима.

Више пута сам посећивао његов атеље како бих му показао своје слике; Увек је био охрабрујући, али никада није хвалио пуно. Није много за разговоре, уживао је у расправи о дубљим смисаоима живота. Наравно, уметност је увек била у првом плану наших дискусија. Како бих напустио студио након посете са њим, он би ме увек охрабривао. Буон лаворо. Форза е цораггио? (Радите напорно и добро. Снага и храброст), рекао би, тоном, претпостављам, римског ратника.

Методологија наставе на Академији уметности у Фиренци
У школи ликовних уметности дужност је да подучавају само неспорне истине или барем оне које почивају на најлепшим примерима прихваћеним вековима.? Речи Х. Фландринса, штампане на нашој брошури, најближе су нам артикулирању мисије на Академији уметности у Фиренци. Са Фландрином - и многим другима које бисмо могли навести - као наше водиче, ми учимо занату рада у реалистичкој традицији слично као што је то научено у атељеима западне Европе 19. века - не нужно да би произвели дело из 19. века, али као што сам раније напоменуо, јер је наша директна веза са традиционалним вредностима и учењима прошлости, за које се зна да су у стваристичкој традицији произвели уметнике професионалног нивоа, управо кроз те студије. Пошто сам дијелове традиције покупио од многих различитих људи, оно што ми предајемо на Академији умјетности у Фиренци спој је онога што сам добио од многих оних које сам раније споменуо и које сам на свој начин интерпретирао.

Цлоуд Студи
2006, уље, 35½ к 51¼.

У погледу на атељески систем обуке као модел, Академија уметности у Фиренци разликује се од већине других уметничких школа, где полазници одлазе на различите часове и често их подучава много људи. Када студенти уђу на врата Академије у Фиренци, додељен им је простор за студиј и насељавају се у ритму рада који ће остати константан током њихових година студирања. Позивајући их да постану, као што је рекао Јохн Цонстабле, стрпљиви ученик природе, половину дана проводе радећи на фигури, а другу половину дана у својим атељеима, радећи на специфичним вежбама. Демистификујемо образовање уметника и разбијамо изузетно сложен задатак да научимо да црта, слика и вади из живота у постепене кораке. Уопштено говорећи, студенти проводе дане покушавајући да виде и ставе тачно оно што је пред њима, јер, како је Леонардо рекао, сликар ће створити слике мале заслуге ако прими дела других као свој стандард; али ако се примени да учи од природних предмета, он ће дати добре резултате.

То, међутим, није лако: корак по корак напредовање кроз школски програм, од учења тачно цртања до учења прецизних вредности боја у уљу - или, за студенте скулптуре, учење исправне структуре у глина - углавном траје студенти четири до пет година. Уз неколико изузетака, студенти се фокусирају искључиво на цртање своје прве године. Једном када стекну поверење у њихову способност да буду тачни, од њих се тражи да развијају, припремајући се да постану сликар, софистицирано разумевање градских вредности - дакле, употребу дрвеног угља, чији распон чине ефикасним медијум за истраживање светлости и тамно. Средњи студенти постижу снажне темеље у цртању, како на графитном тако и на дрвеном угљу, и обично до почетка друге године започињу цртање дрвеним угљеном и белом кредом на тонираном папиру, што је корак ближе сликању. Цртежи које ученици бацају почињу да личе на стварне улоге, а њихови цртежи на фигурама имају тежину и равнотежу живе особе. Са тим вјештинама цртања добро раде први пројекти за сликање додијељени су.

Студија за поклон
2006, дрвени угаљ и бела креда, 53½ к 47½.

Стећи контролу над овим новим медијумом треба времена и искуства и, као и код цртања, крећемо се корак по корак. Прелаз са цртања ублажавамо започињући ученицима сликањем ен грисаилле- то је са сликањем у сиво. То студентима пружа прилику да се упознају са употребом боје за проучавање вредности без додате сложености боје. Даје се само неколико пројеката ен грисаилле (обично два улога и једна слика у трајању од пет недеља) пре него што се додели пројекат ограничене боје. Студенте започињемо са три боје, не укључујући белу: жуту окер, енглеску црвену и црну. Ово је најтрадиционалнија и најосновнија палета која постоји - студенти су вековима почели са њом, а многи велики сликари, попут Тицијана, сматра се да су је користили за производњу неких од својих најбољих дела. Једном када студенти открију потенцијал ових основних боја, додају се по потреби и друге: Напуљ жута, вермилион, кобалтно плава итд.

Студентима треће године даје се вријеме да упију и вјежбају материјал који им је достављен у другој години, заједно са већим степеном потешкоће у предмету. Портрети се уводе најприје у цртање, а затим у сликарство. Многи студенти почињу да показују склоност ка одређеној теми и могу почети трошити више времена развијајући своје вештине у подручју које их највише фасцинира.

До четврте године студенти су савладали цртање у два медија и упознати су са методама и материјалима сликања уљем, последњи су важни у студијама сликара као и први. Сада је време за усавршавање вештина, препознавање и суочавање са постојећим слабостима и за почетак стављања техничког знања на тест. Једна од најкориснијих политика коју смо успоставили у последњих 10 година је последња критика. На крају сваког тромјесечја студенти појединачно доносе сав посао који су произвели пред окупљеним наставницима. Сврха критике је да студенте упозна ако крећу на курс, да им јасно каже шта осећамо њихове снаге и слабости и да им да персонализоване предлоге како да се побољшају. Дају им оцјену пролаза / неуспјеха на основу учинка у пет различитих категорија: напредак, перформансе, став, труд и присуство.

Сумњам да се за неке студенте дани понекад чине спорим и заморним, али кад одлазе након што су овде провели неколико година, знају како да прате процедуру која функционише. Свака уметност говори о контроли: Ако не можете да пратите одређене балетне покрете, не можете да плешете балет; не можете да пуштате класичну музику ако немате контролу над свим размерама и својим прстима. Не можете сликати и вадити на традиционалан начин ако нисте научили потребне принципе и технике, као што су кретање, гестикулација и пропорција.

Студија за поклон
2006, дрвени угаљ и бела креда, 52¼ к 50.

Обично постоје две врсте ученика: они који изгледа да имају посебан дар да виде и затим брзо и флуидно преводе из три димензије у две, и они који се боре за сваку нову вештину коју стекну. Обоје чине одлични сликари и вајари, као и одлични учитељи из различитих разлога. Први се често диве узорима; брзо уочавају грешке ученика и разлог због којег су их начинили. С друге стране, они који су се борили добро схватају потешкоће; они служе као пример напретка и могу саосећати са фрустрацијом оних који се боре.

Оно што је изгледа заједничко онима који су успешни, онима који преживе, јесте њихова страст и напоран рад. Верујем да свако може да постигне успех, без обзира на ниво његовог талента, ако је потпуно страствен, уплетен и марљив. Као што је рекао Мицхелангело, Кад би људи знали колико напорно радим, не би им се свидело шта ја радим.?

Лична изјава
Иако су делови традиције сачувани и пребачени, бринем се за тренутно стање овог скупа знања, што је један од разлога што сам део свог времена током година посветио подучавању. Када сам развијао програм на Академији уметности у Фиренци, одлучио сам да нагласим оне аспекте традиције који су ми се чинили виталним. При томе, није била моја жеља да традицијом манипулирам тако да се уклопи у моју личну визију, већ да је ојачам, надоградим и дам генерацији ученика алате потребне да се посвете ономе што сматрам једним од највећих и најизазовнија занимања од свих: стварање слика које имају емоционалну резонанцу и техничку вештину и које у својој истинитости и лепоти преносе идеје од великог значаја. У ту сврху, као што сам већ напоменуо, спојио сам оно што сам научио од утицајних уметника / учитеља које сам упознао током властитог студија. Ја сам нужно тумачио њихова учења на свој начин, уклапајући дијелове заједно као што се највише чинило исправним. У духу да се студентима пренесе оно што је чисто? или тачно? - да би се осигурало да учимо принципе а не наметамо стилове, маниризме или технике - фокусирамо се на практичне занатске радње у школи.

Поклон
2006, уље, сваки панел 51½ к 53½.

Да бисте научили ове класичне технике цртања, сликања и кипарства, треба знати језик тако да они могу говорити на начин који ће бити разумљив. Желим овај језик пренети студентима, не тако да ће они тада ући у своје атељее и произвести дело које је имитација прошлости, већ како би могли ићи у свет и стварати уметничка дела на језику који се дуго користи уметника, а то људи већ дуго разумеју, било да раде уметници или слично. Уза све то, свестан сам да је традиција много већа од зброја свих елемената заната. Ми заиста стојимо на раменима великана.

Јохн Рускин је истакао да иза нас имају генерације људи који нам помажу да правимо уметничка дела. Додао бих да су те генерације уметника подигле технички и психолошки значај сликарства на тако висок ниво да се свако ко барата палицом суочио са најтежим такмичењем тамо. Зашто данас не можемо производити Леонардос ?? могло би се неко питати. Не верујем да је то само зато што нам недостаје техничко знање и стручност. Верујем да је зато што нешто постоји додатно техници која је такође део традиције. Надам се да ће школама у Фиренци, излагањем ученика својим великим ремек-делима и култури, покупити више суштине традиције, да ће иза себе имати више него технику која ће их мотивисати.

С обзиром на то да не желимо да само поновимо дело прошлих векова, мислим да је један од великих изазова са којим смо суочени откривање онога што ћемо сликати и вадити. Да се ​​само забележи површински изглед стварности? никада није била провинција сликарства, чији је језик далеко дубљи. Уметници су од почетка сликали, кивали и цртали ствари које су за њих имале значење, а слике које су оставиле су живи завет, запис њихове свести на земљи.

Да бисмо наставили са сведочењем онога што су људи видели, веровали, осећали и мислили, морамо имати храбрости да се упитамо шта нас заиста занима, јер ако не знамо, не можемо то да изразимо. Морамо развити способност за дубоко осећање, јер оно што знамо својим умом је само део онога што морамо да дамо својој уметности - такође морамо дати и своје срце. Данас смо многи од нас одрасли у својим умовима, а деца у својим срцима. Морамо бити мудри у својим срцима, у тандему са хонингом свог заната, како бисмо се изразили на начин који ће и другима додиривати и имати смисла. Тражити лепоту и смисао у свом животу значи уносити је у нашу уметност.


Погледајте видео: ЂЕЛЕМ, ЂЕЛЕМ, Мирјана Маринковић (Јун 2022).


Коментари:

  1. Shalkis

    И тако је и :)

  2. Ignatius

    Тражио сам сажетак у Иандеку и наишао на ову страницу. Прикупио сам мало информација о мојој теми есеја. Желео бих још, и хвала на томе!

  3. Tygoshura

    I love people who notice all sorts of details, little things and who can find something attractive and invisible to the majority in everyday things. Super!

  4. Abydos

    Ово забавно мишљење

  5. Daimmen

    We must be modest



Напиши поруку